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Para mantener un orden y que no os perdáis, voy a recordar un poquito en que momento de la historia nos encontramos. Aún estamos inmersos en la bella etapa clásica exactamente justo en su ecuador después de admirar la gran civilización griega como centro de la creatividad artística. Quizás por eso me resulta menos atractivo lo que viene ahora: los romanos, a diferencia de sus antecesores su vocación no estuvo ni en su pensamiento ni el arte sino en su deseo de dominación política y económica.

Es increíble como una pequeña ciudad del Lacio acabó controlando todo el Mediterráneo como un gran estado. Cuándo se convirtió en un gran Imperio, sintieron la necesidad de manifestar su propia grandeza mediante colosales obras. Pero la arquitectura imperial romana se interesó vivamente por el espacio interior y utilitario.

Las viviendas romanas son un ejemplo, descuidaban su aspecto exterior dando prioridad a una distribución más práctica en su interior. Para mí, los mejores anfitriones de la historia, las viviendas más cuidadas y completas, una arquitectura célebre que incluso les permitía disponer de un sistema de calefacción subterráneo.

Pues dicho esto, ya podemos avanzar hacia el siguiente artículo con una mínima coherencia XDD.

El arte funerario tuvo entre los etruscos un claro protagonismo. Al igual que los egipcios creían en la vida de ultratumba. Los personajes fallecidos son representados con una vitalidad y optimismo que sólo habían sido destacados anteriormente en la civilización cretense. También imitan a los modelos dominantes de la Grecia arcaica, de ahí la leve sonrisa y los ojos almendrados.

Las tumbas etruscas son construcciones muy cuidadas que reflejan el culto rendido a los antepasados. Su calidad debía responder a la categoría de la familia que la mandaba construir y tener dignidad necesaria para servir de alojamiento al difunto. Por ello se intentaba dar al espacio interior un cierto aire doméstico. En las paredes abundan los dibujos al fresco que decoran los muros y tienen la misión de crear un ambiente relativamente alegre, mostrando fuerza, animación y energía, en un deseo de que algo de la vitalidad se transmita al difunto.

El interés del artista se orienta más bien hacia los efectos inmediatos e individualizantes y se despreocupa por lo teórico, por ello la escultura etrusca mostró una gran permeabilidad hacia las innovaciones del arte griego, del que a menudo tomó sus modelos reinterpretándolos en función de su particular sensibilidad.

Ya sé qué hemos hablado mucho de Grecia, pero no puedo despedir este gran precedente en el arte, sin mencionar su pintura. Los griegos apreciaban tanto la pintura que incluso tenían un edificio destinada a exponerla: la Pinacoteca.

La cerámica es la única muestra de pintura griega que disponemos. Recordemos que son un pueblo que busca conjugar el carácter utilitario de los objetos con una exquisita sensibilidad estética. Para los artistas helenos, la cerámica supuso el mejor medio de expresión artística. La vida griega en sus distintos aspectos (heroico, legendario y doméstico) está reflejada en la producción de vasos. Y de aquí su importancia, que además de artística se vuelve histórica.

Las fuentes literarias nos dicen que decoraban con pinturas el interior y el exterior de los edificios, que pena que no se haya conservado ningún ejemplo.

Período Arcaico (siglo VII a.C.)

Aparecen dos arquetipos: el Kouros, atleta desnudo y la Koré sacerdotisa vestida.

El desnudo masculino se convierte en un convencionalismo básico del arte griego, al representar el ideal de belleza antropomórfico. El Kouros es una estatua erigida en memoria de los atletas victoriosos en las competiciones de honor a los Dioses. Representa un hombre joven y atlético, de ojos almendrados y mirada al frente. Se encuentra en perfecta simetría excepto por la pierna izquierda adelantada y responde a la ley de la frontalidad (influjo de los egipcios). Si nos fijamos en el tratamiento de sus rodillas y la sonrisa arcaica que ilumina levemente la cara podemos observar que el artista intenta evolucionar hacia un mayor naturalismo.

Período Clásico (siglos V y IV a. C.)

El Discobolo o el Doriforo son algunas de las esculturas más representativas de esta etapa. En ambos se muestra claramente el alto nivel que tiene el artista sobre anatomía humana, ya que aparecen sus músculos muy definidos. A diferencia del periodo anterior no existe simetría, su mirada es firme y serena y carece de expresividad. Las dimensiones de la cabeza representan la séptima parte del cuerpo, ajustándose a las proporciones establecidas por el Canon inspirado en los principios pitagóricos en busca de la armonía. Tenemos conocimientos de estas esculturas por las copias romanas que adornaban sus jardines y baños públicos. Se cree que los originales fueron hechos de bronce que era un material muy usado en la época.

Clásico Tardío

Afrodita de Cnido ,una de mis esculturas favoritas, dónde el arte se adentra en el mundo más sensible y menos racional de los sentimientos, las emociones y los estados de ánimo (tendencia que culminará en el período helenístico). Esta obra es uno de los primeros desnudos femeninos del arte griego, provocó un gran revuelo, todo un escandalo incluso fue rechazado por muchos. El artista tuvo que utilizar un pretexto para la desnudez: Afrodita se dispone a tomar un baño, se despoja de sus vestiduras y las deja caer sobre el jarro de agua que actúa de soporte.

El significado de la mano derecha cubriendo su pubis es controvertido ya que podría ser un gesto de recato o bien una señal de la fuente de su poder de fertilidad. Podríamos decir que la diosa aparece tan humanizada que pierde parte de su grandeza. Sus superficies suaves y la ondulación de su cuerpo impone ritmo y transmiten mucha sensualidad.

Período Helenístico (finales siglo IV a.C. y siglo I d.C.)

Laooconte y sus hijos

En esta etapa, la temática se vuelve más rica y diversa, se representa la figura humana en diversas fases de la vida, desde la niñez hasta la vejez. Profileran los intentos de expresar con intensidad los estados de ánimo: tristeza, dolor o alegría.

Esta obra, descubierta en el 1506, ejerció una notable influencia en Miguel Angel.
Es uno de los grupos más importantes, esculpido en mármol por tres artistas del núcleo de Rodas. Los tres personajes luchan dramáticamente con las serpientes de mar enviadas por Apolo como castigo al sacerdote troyano Laocoonte, que había desafiado al destino intentando salvar la ciudad de Troya de su destrucción en el conocido episodio del caballo.

Los cuerpos se contorsionan agonizantes, Laocoonte muestra el sentimiento de derrota y sufrimiento a través de cada músculo de su cuerpo, mientras lucha vigorosamente con la serpiente que está apunto de morderle la cadera, la fuerte expresividad de su cara tiene la calidad de un grito. El impacto visual del grupo es increíble. Su hijo menor ha perdido ya la fuerza y busca con la mirada la protección de su padre, mientras el otro hijo también dirige su rostro aterrorizado hacia su progenitor.

PD: Con esto pongo punto y final a la etapa griega, me voy de vacaciones a l’Estartit, hasta la próxima semana, xaoito!!

Ya hemos repasado dos grandes legados que nos dejaron los griegos en su etapa clásica, el Partenon y el Erecteion. No obstante, no sería justo dejar de mencionar el famoso Teatro de Epidauro, que también pertenece a la época.

Los griegos inventaron el teatro, género que llego a ser muy popular en el mundo clásico. En sus inicios se basaba en temas religiosos, pero más tarde evolucionó hacia temas profanos, así surgió la comedia y la tragedia.

El Teatro de Epidauro fue edificado por Policleto el Joven hacia el IV a.C. Su construcción es abierta y realizada en piedra. El Joven supo aprovechar la inclinación del monte para conferir una adecuada visibilidad.

Ha llegado hasta nuestros días en un estado de conservación óptimo, su acústica es la mejor del mundo y alberga una capacidad de más de 12.000 espectadores.

En el centro encontramos un circulo llamado orquesta, que era el lugar del coro, las gradas son la cavea, destinada al pueblo aunque en los primeros asientos, que contaban con respaldo y apoya brazos, se sentaban los jueces y personalidades de la época y en la parte delantera está la escena, dónde los actores ataviados con máscaras y plataformas deleitaban al pueblo con sus obras.

Está situado más en la parte más destacada de la Acrópolis, se integra perfectamente con la naturaleza, de tal modo que los atenienses podían sentirse identificados con su templo al contemplar sus exquisitas formas recortadas contra el firmamento.

El Parteón es la culminación estética de la arquitectura griega. Significa ‘templo de la diosa Atenea’ , la protectora de su polis, la diosa de la sabiduría y las artes. Fué la obra cumbre del programa de edificación de Pericles, y de los arquitectos encargados Ictino y Calicrátes, entre el 447 y el 432 a. C., y lo supervisó Fidias. Su diseño es extremadamente sencillo, planta rectangular pero, aunque grande, proporcionado a la escala humana (difiere mucho del colosalismo egipcio), poniendo en práctica las teorías de Pitágoras.

Fue construido para que su visión fuera perfecta, un trabajo en equipo, Ictino recogió en un libro las múltiples correcciones para que su efecto óptico fuera impecable, por ejemplo: la línea del estilóbato (el suelo desde donde se alazan las columnas y por encima del nivel -estereóbato-) tiene una ligera curva en las esquinas para no dar sensación de que el edificio se va a caer, aunque otros estudiosos dicen que es para que caiga mejor el agua, o las columnas de los ángulos que son ligeramente más gruesas para que a la vista todas parezcan iguales, o las líneas del frontón y de las columnas que están ligeramente echadas hacia atrás para evitar la sensación de que se nos cae encima.

El templo está construido en mármol y pertenece al estilo más antiguo e importante, el dórico. Encima de las columnas encontramos el entablamento decorado con esculturas y en el tímpano -el rectángulo isósceles que hay encima- hay representado el nacimiento de Atenea surgiendo de la cabeza de Zeus, en el portón principal por dónde entra el sol, y en el posterior se mostraba la disputa entre Atenea y Poseidón por el dominio de Atenas. Fidias y sus discípulos esculpieron todas las esculturas, como la colosal estatua criselefantina de oro y marfil que albergaba la naos o cella. La Diosa sólo podía ser admirada por los ciudadanos desde el exterior en los días señalados, cuando se abrían las grandes puertas de bronce. Para los griegos su espacio exterior era más importante que el interior y el conjunto del edificio era tratado como una escultura.

En el primer milenio a. C. el centro de la creatividad artística se desplaza al Mediterráneo. Aquí nace la civilización clásica, en la que el hombre se hace consciente de su propio valor y de su individualidad frente a la naturaleza. En esta cultura el hombre llega a ser la medida de todas las cosas, y los dioses mitológicos pasan a actuar como hombres.

A diferencia de anteriores civilizaciones, que creían en la naturaleza como algo inconexo, los clásicos llegan al convencimiento de que ésta constituye una unidad regida por leyes que pueden ser conocidas.

El razonamiento, la observación y la experiencia son los instrumentos que permiten conocer el fundamento de la realidad. En el siglo IV a. C. Pitágoras creyó encontrar en los números la clave ordenadora del mundo. La armonía y la proporción que se descubren tras la misteriosa aritmética del cosmos será la base del ideal de belleza clásica. Cánones y órdenes, sensualmente precisos, constituyen la esencia de un arte dónde la grandeza no está en la dimensión sino en la belleza.

El arte clásico se divide en dos grandes etapas, una en Grecia y la otra en Roma.

En México se encuentra este impresionante recinto sagrado de Teotihuacán. A pesar de que son muchos los arqueólogos e investigadores que han pasado por allí, nadie ha sabido concretar qué civilización fue capaz de construir semejante estructura arquitectónica.

La ciudad se ordenaba alrededor de un largo eje, llamada la Avenida de los Muertos , de 4 km de largo y 45 metros de ancho. En una punta de la avenida se encuentra la pirámide de la luna y en la otra el palacio de Quetzalcóalt, y a los lados encontramos diversas construcciones, las más importantes: el templo de la Agricultura, el palacio del Sol, la pirámide del Sol, los picos de mica, patio de los Cuatro Templos.

De todo el conjunto del Teotihuacán la Pirámide del Sol constituye el edificio más espectacular, que dominaba toda la ciudad, de 65 metros de altura, para acceder a su vértice encontramos una majestuosa escalera en el centro de una de sus caras, y originariamente había un templo de 10 metros de altura en la parte superior.

A diferencia de los egipcios, las pirámides no eran templos funerarios sino que sostenian un templo, según su mitología los dioses habían creado el cosmos, pero para ponerlo en movimiento tenían que dotarlos de alma, y esta se hallaba en la sangre humana. Así pues en estas pirámides se sacrificaban a prisioneros de guerra y su sangre era derramada para que el sol perpetuase su eterno resurgir matutino; para ellos la pirámide, de imponente estructura cuadrada y escalonada en cuatro niveles, simbolizaba el firmamento y sus 4 plataformas serian el amanecer, la mañana, el mediodía y la tarde.

La única similitud entre esta civilización y la egipcia era la cultura cosmológica en la que las personas participan activamente en el mantenimiento del universo.

Esta maravillosa ciudad muestra el alto grado de desarrollo alcanzado por las culturas precolombinas, hay que decir que a la llegada de los miserables conquistadores españoles ya hacía siglos que había sido abandonada.

CRETA

Esta civilización se gesto durante el tercer milenio a.C. y según cuentan desapareció sobre el 1650 a.C. por causas desconocidas y coincidiendo con una serie de erupciones volcánicas.

Se basaban en un activo comercio y en una flota lo suficientemente poderosa como para no temer a sus enemigos. Su construcción más representativa es el Palacio de Knossos.

El palacio tiene una superficie de 17.000m2 y está construido en torno a un patio central, cuenta con más de un millar de dependencias dispuestas de forma irregular, debido a esto los griegos lo llamaron ‘El Laberinto’ asociandolo al mito del Minotauro en el legendario reino de Minos, hijo de Zeus.

Si el exterior de palacio es austero, en el interior encontramos un notable gusto estético, los muros están cubiertos por frescos de lujo y claridad, utilizan la policromía para resaltar la luminosidad de las habitaciones, el dibujo se convierte en ágil y dinámico, nada que ver con los frescos egipcios de esa misma época. La temática es muy diversa, desde animales, damas cretenses o escenas de tauromaquia.

MICENAS

Hacia el año 1600 a.C. la península balcanica sufre las invasiones de aqueos y eolios que asimilan los logros de los cretenses, heredando todo su poder. Y a diferencia de ellos construyen ciudades fortaleza, con solidas murallas.

La puerta de los leones, se considera como la primera escultura monumental de la historia occidental, como podéis observar, sobre el dintel de la puerta se forma un triángulo en cuyo interior encontramos a dos leones rampantes enfrentados y simétricos gracias a la columna que los separa. La escultura recuerda más al arte megalítico que al cretense.

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PD: Cómo ya dije en el preámbulo, esto es simplemente un paseo por la historia del Arte, durante el periodo que llevamos recorrido también existieron otras civilizaciones como las mesopotámicas (sumerios, acadios, asirios, babilonicos), los hihitas, los fenicios y los persas. Lo comento porque aunque no lo repase también forma parte de la historia, por eso antes de adentrarnos de lleno en ‘El arte clásico’ echaremos una ojeada a los aztecas (arte precolombino), visitaremos el recinto sagrado del Teotihuacán en Méjico.

Continuando con el hilillo de Egipto, acabaré mencionando de pasada la pintura.

Este es un fragmento del famoso papiro El libro de los muertos, representa el peso de la conciencia, los motivos siguen siendo los mismos de siempre: la entrada a ultratumba para acompañar a Ra en su barca. Todo esta sometido a la ley de la frontalidad, nunca dan la espalda y casi siempre miran hacia la derecha, sin matices ni sombras (excepto en los animales y servidumbre que a veces escapaban de este convencionalismo), también sus colores son planos y siempre acompañado de jeroglíficos que nos cuentan la obra.

Mientras todo esto pasaba en Egipto, en una pequeña isla, Creta, ya se gestaba lo que seria la cuna de la Gracia clásica.